Trilogía, cine experimental.

El cine experimental es aquel que amplía o desplaza los límites del lenguaje audiovisual convencional y del cine narrativo tradicionalmente estructurado alrededor de un relato argumental, utilizando nuevos recursos para expresar y hacer sentir emociones, experiencias, sentimientos, concepciones del mundo, críticas al propio medio, etc. En muchas obras, lo narrativo cede a los experimentos de tipo formal, siendo frecuente el uso de efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.

El cine experimental se define de acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria cultural, ni se dirige a un público amplio, sino específico y minoritario, y que comparte el interés por productos que podríamos calificar -sin intención peyorativa- como marginales, o también llamados "de culto".

Titulo: The Pillow Book, Año: 1996, País: Reino Unido, Director: Peter Greenaway, Coproducción: Reino Unido-Holanda-Francia
Género
Drama | Pintura.
Sinopsis
En Kyoto, en los años 70, un anciano calígrafo escribe con gran delicadeza una felicitación en la cara de su hija el día de su cumpleaños. Cuando se hace mayor, Nagiko recuerda emocionada aquel regalo, y busca al amante calígrafo ideal que utilice todo su cuerpo como una hoja en blanco.... 

The Pillow Book (cuyo título hace referencia a la costumbre japonesa de guardar en las almohadas, que eran de cerámica o de madera huecas, los diarios íntimos) es una película de carácter iniciático dirigida por Peter Greenaway en la que Nagiko -narradora y protagonista- va contando su proceso de aprendizaje. Proceso que se simboliza en el paso de ser soporte de escritura a convertirse ella misma en "pincel"; y que tiene, como etapas intermedias, el conocimiento del amor, de la muerte y de la venganza.

En cuanto a la forma, sigue presente la constante necesidad de Greenaway de romper con el lenguaje cinematográfico tradicional. En este caso, la ruptura se realiza por medio de la yuxtaposición simultánea de imágenes –recurso de clara filiación nipona, perceptible no sólo en su lengua, sino también en su literatura (téngase en cuenta que la composición poética nipona más popular es el haiku, uno de cuyos principios es la contraposición de impresiones)-. Esta técnica tiene como función completar o adelantar lo que ocurre/se dice o va a suceder.

Hacia la mitad de la película, se hace una cita del Makura no Sōshi que, en cierto modo, la resume:

Dos cosas no nos han de faltar: las delicias de la carne y las delicias de la literatura.

Se le acusa (y no sin ninguna razón) a Greenaway de tener en sus películas mínimas excusas argumentales, a partir de las cuales hilvana un derroche de cine estético, pedante, recargado y formalista. Esto es, que lo que busca y hace casi siempre el cineasta británico es sublimar la imagen, la forma, el continente, por encima de un discutido y discutible contenido.
Creo, sinceramente, que no es el caso de esta película. Para quien esto suscribe urde Greenaway en "The pillow book" una trama originalísima y magistral (otra cosa es que con sus devaneos narrativos, la película a veces parezca no avanzar en su desarrollo), a saber: extrae su raíz de un legendario libro nipón del siglo X, y cuenta la historia de una hermosa mujer (Wu) afectada de un complejo edípico por el cual busca entre sus amantes la figura de su padre, el cual pintaba sobre su rostro y piel diversos caligramas. La mujer busca antes que amantes que la proporcionen placer sexual, excelentes calígrafos que tatúen sobre su piel hermosas inscripciones.

Greenaway sigue en su estilo eminentemente plástico y pictórico (es más pintor que cineasta, tal vez), prosigue con su exploración/explotación de terrenos artísticos -el dibujo en "El contrato del dibujante", la arquitectura en "El vientre del arquitecto", la cocina en "El cocinero, el ladrón, su mujer y el amante" y así sucesivamente), en este caso la literatura/lingüistica fuertemente asociada e indisoluble del ámbito sexual; también sigue amplificando/fusionando culturas entre Oriente y Occidente, con un trasfondo psicológico marcado; sigue fragmentando la pantalla en varios cuadros buscando precisamente lo contrario, o sea, amplificar el campo de visión del espectador, superponiendo los tiempos narrativos y buscando fascinarnos con su cine original.
Resultan evidentes los fallos y baches de la película -no es perfecta como un caligrama-, su embarramiento en la parte final, su no del todo conjuntada relación de forma y fondo (de lápiz y papel), pero es obvio también que la película es rabiosamente personal y además comprensible, una historia fascinante en su atrayente y particularísima combinación/matrimonio, finalmente tragedia, de literatura y sexo, de sexo y literatura.

Calificación 4 estrellas de 5. descarga>>

El cine experimental ha sido desarrollado en el contexto de movimientos contra-culturales de variados tipos:

Estéticos: las vanguardias artísticas de principios del Siglo XX.
Políticas: Cine de agitación del 68, el cine de propaganda.
Filosóficos-teóricos: el estructuralismo: el cine feminista, el cine Gay.
Culturales: el underground y los movimientos de la contracultura.
El cine corporal comprendería todas las tendencias de los años setenta, como el cine del yo, los diarios filmados, los filmes militantes, el cine underground, el cine de la materialidad y todos aquellos que reivindican un cine personal.
El cine estructural comprendería las grandes vanguardias de los años veinte, el llamado cine estructural de los sesenta y otras aproximaciones seriadas o minimalistas, el letrismo, el cine conceptual, el que interroga al propio cine y todos aquellos que reivindican un cine de las formas. Es obvio que existen numerosos cineastas que evidencian diferentes aproximaciones dentro de un mismo filme o de una obra a la otra.

Título: Eraserhead, Año: 1977, País: Estados Unidos, Director: David Lynch, Género: Fantástico. Drama, Cine experimental. Surrealismo
Sinopsis
Henry Spencer, un joven deprimido y asustadizo, sufre desde pequeño unas extrañas pesadillas de las que intenta liberarse a través de su imaginación. Cuando un día Henry es invitado a cenar a casa de su amiga Mary, se entera de que ha sido padre de un bebe prematuro e inhumano. Mary y el extraño bebé se instalan en casa de Henry, donde un escenario iluminado tras el radiador revela la presencia de una mujer.

Eraserhead es el primer largometraje del maestro norteamericano. En él retrata el pánico del hombre (del varón) ante la vida conyugal y, sobre todo, ante el hecho (irreversible) de ser padre. La claustrofobia surge de lo cotidiano. Lo corporal deviene pura nausea. El semen es escoria.

Desde el principio, las cartas quedan boca arriba: un planeta anida en la cabeza del durmiente. Es una luna enferma, ¿inhabitada? El demiurgo acciona el mecanismo. Y a soñar. El escenario es gris y tiene trazas de polígono desangelado (hay algo de Antonioni en ese yermo de cemento). Los personajes –todos– son aterradores o inquietantes. El bebé deforme desplaza la cabeza del protagonista. La cabeza rueda por un escenario en miniatura. Cede el suelo. Un niño toma la cabeza entre sus brazos. La lleva hasta una fábrica de gomas –como si pudieran suprimirse los impulsos y pulsiones que hay en ella.

El mundo que retrata Eraserhead es personal. Lynch declara haber vivido en él durante varios años. Yo creo en su palabra. Un mundo así no puede ser un artefacto.
Freud quiso cartografiar el orbe de lo onírico. Su guía es excelente. Era un hombre de ciencia. Lynch, sin embargo, elude lo lineal; Eraserhead se vive desde el interior.
Con Freud y Jung aprendes de los sueños. Con Lynch aprendes a soñar.
La brújula de Freud ayuda a atravesar el laberinto de la psique; es el hilo de Ariadna. Cabeza borradora es el temible Minotauro. La goma de borrar no es otra cosa que la espada de Teseo.

Calificación 4.5 estrellas de 5.  descarga>>

Características

En principio para este genero es difícil encontrar una definición taxativa, Jose Antonio Gonzalez un autor mexicano lo define de la siguiente manera: “El cine experimental: es un lenguaje cinematográfico propio, que desarrolla un arte inseparable del propio medio de expresión. Se organiza de acuerdo con una lógica que le es propia, la narración compleja, fragmentaria, deconstruida o inexistente. La concepción del film aparece a lo largo de la experimentación y reflexión, por otro lado, rodaje y creación del guion son paralelos, proceso que se completan para muchos luego de la experiencia del espectador. Es ante todo personal: el realizador no solo integra todas las líneas creativas del film sino que muchas veces las efectúa él mismo (cámara, sonido, edición, etc).”

1- El contenido narrativo no suele ser significativo. La mayoría se basa de una idea sueño o pensamiento el cual es el único tema de toda la película, pero hay obras en las que se pueden presentar muchos temas sin relación entre ellos.

2- No tiene continuidad secuencial (ésta crea una especie de unión entre planos y da un significado a los mismos).

3- Se propone ampliar las dimensiones de la estructura narrativa conocida hasta entonces; en otras palabras, no se rige por las normas habituales en cuanto a estructura o sintaxis visual.

4- Se contrapone al “cine comercial” de narrativa ortodoxa y dirigida al gran público.

5- Quiere hacer visibles convenciones sociales y cinematográficas cambiando sus propias reglas y modelos, por ejemplo suprimiendo, añadiendo, distanciando, invirtiendo o recolocándolos.

6- "Found footage film”: Trabaja con material ajeno, para la revalorización y la nueva contextualización de materiales cinematográficos desconocidos.

7-El material cinematográfico en sí se convierte en un objeto, o se utiliza para mostrar situaciones interiores.

8- El público en el cine experimental se vuelve parte de la misma experiencia.

9- El cine experimental pudo ver su nacimiento en un amalgamiento con distintas disciplinas artísticas. Puede delimitarse a través de sus parámetros tecnológicos, pero las mutaciones que permiten los soportes audiovisuales digitales favorecen a una visión híbrida del mismo que abren la puerta a nuevas concepciones estéticas, determinadas siempre por los contextos donde se hacen visibles. Describir al cine experimental es tarea compleja, pero existen pautas que indican algunas de las razones de su existencia:

El cineasta explora el hecho audiovisual, combinando sonidos e imágenes en movimiento, con criterios y conocimientos de la cultura artística en general incluyendo a otras artes como la poesía, la música, el teatro, la danza, etc. para dar una visión o una opinión propia del mundo

La creación de una obra experimental concierne otro tipo de búsqueda, un acercamiento a la crítica por parte de los espectadores, es decir necesita de un público activo para su lectura.

La experiencia no se limita solo al campo de lo puramente técnico, sino de lo ideológico, la percepción y las diferentes formas de percepción como así también de los estímulos que se reciben desde el contexto, la idea, el público, etc.

Título: Begotten, Año: 1991, Director: E. Elias Merhige, Género:
Fantástico. Terror | Surrealismo. Cine experimental.
Sinopsis
Film experimental y de culto que consiste en dos largas y minuciosas secuencias, en las que una criatura sobrenatural (Dios) da luz a la humanidad y un hombre solitario es torturado por misteriosas figuras con máscaras. "Begotten" es una inclasificable película que se la ama o se la detesta, en cualquier caso una experiencia completamente única. La revista Time la declaró una de las 10 mejores películas del año 1991.

Un extraordinario debut del director E. Elias Merhige. (Posteriormente reconocido en circuitos más amplios gracias a su segundo largometraje La Sombra del Vampiro (2000.)) A medio camino entre los mundos oníricos del cine de Maya Deren y la truculencia splatter de The Texas Chainsaw Massacre, el film nos muestra una extraña anécdota en la que abundan los simbolismos y las referencias diversas sobre mitos paganos y cristianos, para lo cual, Merhige echa mano de recursos narrativos poco convencionales (total ausencia de diálogos y de una banda sonora, así como un diseño visual con una fotografía en blanco y negro altamente contrastante). Con todo y sus virtudes, esta cinta es sin lugar a dudas una experiencia desconcertante y no apta para todos los gustos, debido a la continua sucesión de escenas de alto contenido gore/sexual, y por su marcada tendencia a la escatología más extrema, algo que puede resultar demasiado bizarro (o francamente repugnante) para algunos espectadores.

-Pink Binary